1.巴洛克时期

巴洛克时期人文主义思想兴起，强调个性尊重理性，声乐和器乐并驾齐驱，公众音乐会的逐渐兴起等都使音乐活动有了更广泛的社会意义，带动钢琴音乐艺术进入快速发展阶段。

（一）J·S·巴赫。德国作曲家J·S·巴赫是巴洛克时期最伟大的复调音响建筑师，他一生创作了不少以教学为目的的键盘音乐，而复调作品的训练不能被任何一个环节所替代，它必须是独立有系统的，才能发挥积极作用。

（二）多梅尼科·斯卡拉蒂。意大利钢琴家D·斯卡拉蒂被视为古钢琴演奏技巧的革新者，他对键盘艺术的贡献集中在他的555首奏鸣曲中，这些曲目不仅对奏鸣曲的发展意义重大，并且对钢琴演奏技法的成熟做出了不可磨灭的贡献。这些作品可听性高、篇幅短小。演奏时不仅需要大量快速的手指跑动，还有手臂大幅度跳跃，快速同音反复等高难度技术，这就要求演奏时手臂和身体都必须处于动态。

巴洛克时期的钢琴音乐在复调性特点下注重表现旋律线条的歌唱性、结构层次的均衡性。由于当时古钢琴音量较小、没有踏板，在演奏时应以轻微敏捷的手指触键，以轻盈灵巧的手部动作为主，要有节制、有控制、有层次地进行演奏。

2.古典主义时期

进入18世纪中叶，人们的音乐观念和风格喜好发生改变，更加追求自然美，应运产生了新风格的钢琴音乐作品，因此在钢琴练习曲上也出现了与巴洛克时期不同的特点。

（一）穆齐奥·克莱门蒂。意大利钢琴家克莱门蒂被尊称为“钢琴技巧的鼻祖”，他创作的《乐艺津梁》涵盖了钢琴技巧的各个方面，是现代钢琴演奏技艺的基础，其中每一首都有明确的练习目的，在此之后，练习曲开始作为一种发展和提高演奏技术的音乐体裁，在钢琴教学中始终发挥着重要和积极的作用。

（二）卡尔·车尔尼。奥地利作曲家车尔尼作为钢琴练习曲演奏、诠释的权威，架起了克莱门蒂和李斯特两种钢琴演奏之间的桥梁。他借鉴并吸收了贝多芬突破钢琴音色的特色，作品种类繁多，从简单到困难讲究循序渐进。他的教学体系对于古典音乐的演奏及各种基本技术训练具有非常重要的价值。

钢琴练习曲真正意义上是运用钢琴演奏技巧来表达音乐的内涵，我们不仅要关注技术性问题，更要从音乐的本体上把握其艺术性，处理好两者间的关系。车尔尼钢琴练习曲的出现不仅解决了技术难点，也强调了钢琴练习曲的艺术性，使习琴者更乐于练习从而达到训练目的。

3.浪漫主义时期

19世纪浪漫主义音乐承袭古典乐派作曲家的传统，但更注重情感与个性的表现，并对心理刻画予以强调。这个时期制琴技术越来越规范，并渐趋于完善，形成了钢琴音乐艺术发展的最大动力，涌现了大量优秀的作曲家和经典作品。

（一）弗朗索瓦·肖邦。肖邦开始将演奏技术的训练与艺术构思相互结合，并追求高度的艺术境界和良好的舞台效果，具有戏剧性和鲜明的音乐形象，旋律动听，不仅使演奏者进行了相应的手指训练，同样也给人以美的享受。在演奏技术上，肖邦同李斯特都实践着“重量弹奏法”的基本宗旨，既需要独立灵活的手指技术，也需要挥动手臂的动力性奏法;既需要层次分明的复调音乐演绎方法，也需要柱式和弦的断奏技术。

（二）弗朗兹·李斯特。匈牙利作曲家李斯特被称为“钢琴之王”，作品常带有“交响化”特点，试图激发出钢琴音响的极大可能。他提倡标题音乐，强调音乐与诗歌的结合，丰富钢琴练习曲的思想内涵。李斯特对于钢琴演奏技术的发展和进步作出的巨大贡献。

4.印象主义时期

印象主义音乐代表人物是法国作曲家阿希尔·克劳德·德彪西，他的《12首钢琴练习曲》是自肖邦以来音乐会练习曲传统的继续。这些作品是德彪西音乐风格与演技特性的有机结合，试图打破传统和声，打造动机式的旋律片段，旋律神秘飘忽，完美体现了印象派音乐的特点。演奏时手要较为平坦，保证手指平行移动的自如连贯，使音色更加柔和;指尖用抚摸式的方式触键从而发出的颗粒样的声音;常用柔音踏板让音色朦胧而浪漫。

5.20世纪音乐

匈牙利钢琴家巴托克是20世纪新古典主义音乐的代表人物之一，他的钢琴练习曲集《小宇宙》是一部集现代钢琴技法之大成的作品，追求粗暴震撼的音响效果，应用各类调式和音阶、特性节拍、节奏、现代对位法等一系列现代钢琴音乐创作手法，可以说是一部现代作曲手法的袖珍百科全书，也是现代钢琴教学中不可或缺的一部教材。

6.结语

钢琴练习曲经历了一个由简单到复杂、从纯技术训练到具有艺术性的音乐会曲目，让演奏者在技术提高的同时也能获得完美的艺术享受。钢琴练习曲作为从初学到高级演奏家的桥梁，能够提高演奏者对于钢琴的掌控能力，可以让演奏者不断提升自己的音乐感受力、内心听觉和音乐想象的能力。教学中我们要因材施教、循序渐进，才能发挥练习曲的最大作用。